BIOGRAFÍA DEL CREADOR DEL ARTE

Vasili Kandinski nació en Moscú el 16 de diciembre (en el antiguo calendario ruso: 4 de diciembre) de 1866, proveniente de una familia de clase media alta. Su padre Vasili Silvéstrovich Kandinski era un comerciante de té procedente de Kiajta, una población siberiana cercana a la frontera con Mongolia.¹ La abuela de Vasili era una aristócrata mongola de la dinastía Gantimúrov. Lidia Ivánovna Tijéieva, la madre de Vasili, era de Moscú.² Pasó su infancia y juventud entre Moscú y Odesa, donde se trasladó la familia en 1871.² Tras el divorcio de sus padres vivió con su padre. Su tía Elizaveta Tijéieva también lo cuidó.² Su abuela materna era alemana y le hablaba en alemán. En Odesa tomó clases de piano y de violoncello.² En 1886 Kandinski comenzó sus estudios de Derecho y Ciencias económicas en la Universidad de Moscú. También estudió etnografía.² En 1892 se casó con su prima Anna Chemyákina, con quien vivió hasta 1904. En 1893 fue nombrado profesor asociado en la Facultad de Derecho. En 1896 la Universidad de Tartu le ofreció una plaza de profesor que rechazó para dedicarse por completo al arte. Esta decisión estuvo influida por la exposición de los impresionistas en Moscú en 1895, al ver las obras de Monet y la representación de Lohengrin deRichard Wagner en el teatro Bolshói.²

Se trasladó a Múnich donde inicialmente no fue admitido en la Academia de Arte. Estudió un tiempo en la academia privada deAnton Ažbe hasta 1900, cuando fue admitido en la Academia. Su profesor fue Franz von Stuck y, como consideró que la paleta de Kandinski era demasiado brillante, lo hizo pintar en una gama de grises durante un año.²

En 1901 fundó el grupo Phalanx, cuyo propósito principal era introducir las vanguardias francesas en el provinciano ambiente muniqués, para lo que abrió una escuela en la que daba clases. Sus pinturas de los primeros años del siglo eran paisajes ejecutados con espátula, en un principio sombríos, para luego adquirir una intensidad casi "fauve". También pintó temas fantásticos basados en tradiciones rusas o en la Edad Media alemana. Este período estuvo marcado por la experimentación técnica, en particular en el uso del temple sobre un papel oscuro, para dar una impresión de superficie transparente, iluminada desde atrás. La consistencia tonal del claroscuro enfatiza el esquema, borrando la distinción entre las figuras y el fondo, resultando una composición casi abstracta.

En 1902 expuso por primera vez con la Secession de Berlín y realizó sus primeras xilografías. En 1903 y 1904 viaja por Italia,Países Bajos, África y visita Rusia. En 1904 expuso en el Salón de Otoño de París. En 1903 se divorció de Anna Chemyákina y se casó con la joven artista Gabriele Münter. Durante cinco años viajó con su esposa por Europa pintando y participando en exposiciones. Volvió a Baviera y se asentó en Murnau am Staffelsee en la falda de los Alpes.² En 1909 fue elegido presidente de la Nueva Asociación de Artistas de Múnich (NKVM). La primera exposición del grupo tuvo lugar en la galería Thannhauser de Múnich ese mismo año. Hacia el final de la década, las pinturas de Kandinski denotan una gran tendencia a la plenitud, por la equivalencia en intensidad de las áreas de color y la superficie reluciente, que destruye toda ilusión de profundidad. Las series de cuadros de jinetes en combate comenzaron en 1909, y en ellas, la línea del horizonte se va erradicando gradualmente, al igual que otras referencias espaciales.

LA HISTORIA DEL ARTE

La historia del arte es una disciplina de las ciencias sociales que estudia la evolución del arte a través del tiempo.

Entendido como cualquier actividad o producto realizado por el ser humano con finalidad estética o comunicativa, a través del que expresa ideas, emociones o, en general, una visión del mundo, el arte emplea diversos recursos, como los plásticos, lingüísticos, sonoros o mixtos. La historia del arte, como disciplina académica y entorno institucional (museos, mercado del arte, departamentos universitarios, producciones editoriales) se suele restringir a las denominadas artes visuales o plásticas (esencialmente a pintura, escultura y arquitectura), mientras que otras artes son más específicamente objeto de estudio de otras disciplinas claramente delimitadas, como la historia de la literatura o la historia de la música, siendo todas ellas objeto de atención por la denominada historia de la cultura o historia cultural, junto con las historias sectoriales enfocadas a otras manifestaciones del pensamiento, como la historia de la ciencia, la historia de la filosofía o la historia de las religiones. Algunos campos de conocimiento estrechamente relacionados con la historia del arte son la estética y la teoría del arte.

A lo largo del tiempo el arte se ha clasificado de muy diversa manera, desde la distinción medieval entre artes liberales yartes vulgares (o «mecánicas»), pasando por la moderna distinción entre bellas artes y artes menores o aplicadas, hasta la multiplicidad contemporánea, que entiende como arte casi cualquier manifestación de la creatividad del ser humano. La sucesiva ampliación del listado de las «artes principales» llegó en el siglo XX hasta el número de nueve: la arquitectura, la danza, la escultura, la música, la pintura, la poesía —entendida de forma amplia como literatura con intención estética, que incluye los distintos géneros del teatro y la narrativa—, la cinematografía, la fotografía y la historieta (o cómic). Al solapamiento conceptual de términos entre artes plásticas y artes visuales se añadieron los de diseño y artes gráficas. Además de antiquísimas formas de expresión artística como la moda y la gastronomía, actualmente se suelen considerar artes nuevos vehículos expresivos como la publicidad, la animación, la televisión y los videojuegos.

¿DE DONDE VINO EL ARTE?

EL TERMINO PROVIENE DEL LATÍN ARS. EN LA ANTIGÜEDAD SE CONSIDERO EL ARTE COMO LA PERICIA Y HABILIDAD EN LA PRODUCCIÓN DE ALGO. ASÍ EL ARTESANO PODÍA O NO, DISPONER DE ALUMNOS QUE HEREDARÍAN SU OFICIO Y DE ESA MANERA OBTENER UN MEDIO DE SUSTENTO. CON EL PASAR DEL TIEMPO SE CREARON ESCUELAS EN LAS CIUDADES MAS POPULOSAS DICHAS ESCUELAS RECOPILABAN EL SABER DEL OFICIO BASANDO EL DEBER EN LA CIENCIA DEL ARTESANO.
   

LA PINTURA REALISTA

Realismo es la denominación de un estilo o movimiento pictórico que se dio en Francia a mediados del siglo XIX, cuyo principal representante es Gustave Courbet. El propio pintor fue quien acuñó el término al dar nombre al pabellón que hizo construir para una provocativa exposición de 1855, alternativa al Salón de París, bajo el título "Realismo". Allí expuso su obra El taller del pintor, considerada el manifiesto del estilo, que provocó un sonoro escándalo en los medios artísticos por su anti-academicismo y su crudeza, que se calificaba de obscenidad. Posteriormente se identificó con el movimiento especialmente a Honoré Daumier,Jean-François Millet y Jules Breton, y a otros pintores (Jean-Louis-Ernest Meissonier, Henri Fantin-Latour,Thomas Couture, Jean-Léon Gerome, etc.) El crítico de arte Jules Champfleury definió teóricamente la estética del movimiento.^1 2

Se suelen identificar los principios estéticos del realismo pictórico con los del realismo literariocontemporáneo (Honoré de Balzac). El compromiso con las clases bajas y los movimientos políticos de izquierda (en el contexto de la revolución de 1848) marcó la sensibilidad social e ideológica de este grupo de pintores realistas, que conectaría con la vertiente más comprometida socialmente del realismo literario: elnaturalismo posterior (Émile Zola).

a desde épocas anteriores se apreciaba un cansancio de los valores románticos y el deseo, entre los artistas más inquietos, de incorporar las experiencias más directas y objetivas en sus obras. El proceso es gradual aunque rápido, y entre el romanticismo pictórico y el realismo se establece una continuidad, sin embargo sus planteamientos ideológicos y formales serán muy distintos. También se establece una relación compleja entre el realismo y el academicismo de la pintura neoclásica, debido a que todavía existe entre los dos una competencia evidente. También es cierto que se influyen mutuamente. Así, aunque los pintores realistas sean excluidos de las grandes muestras oficiales, la pintura académica evidenciara una atención mayor hacia la observación directa de la naturaleza y la realidad del momento.

También en la pintura francesa, como en las demás escuelas nacionales, muchos pintores son identificados con una cierta clase de "realismo" sin pertenecer al movimiento realista de Courbet, como por ejemplo, el realismo costumbrista de inspiración fotográfica de Émile Friant. También el academicista Jean-Léon Gérôme fue un firme defensor de la fotografía, a la que consideraba capaz de sacar a la luz la verdad.³

LA PINTURA SIMBOLISTA

El término simbolista procede del ámbito literario. El primero en utilizarlo fue el poeta Jean Moréas en 1885 en su "Manifiesto Simbolista" y posteriormente se aplicó a la nueva pintura ya que las intenciones de los poetas y los pintores eran semejantes.

El Simbolismo es un movimiento literario y de artes plásticas que se originó en Francia en la década de 1880, paralelo al post-impresionismo, y que surgió como reacción al enfoque realista implícito en el Impresionismo. Tanto el Impresionismo, como el idealismo y el naturalismo académico se habían identificado con los problemas contemporáneos, políticos, morales e intelectuales. Los artistas de 1885 disgustados por la incapacidad de la sociedad para resolver estos problemas buscaron nuevos valores basados en lo espiritual. Desean crear una pintura no supeditada a la realidad de su momento, rechazan lo que trae consigo la vida diaria, la aglomeración, la actividad industrial y la degradación.

Se va creando un estado de decepción frente al positivismo y cientifismo imperante y se descubre una realidad más allá de lo empírico. A esto contribuye Schopenhauer, que en su oposición al positivismo, insiste en que el mundo visible es mera apariencia y que sólo adquiere importancia cuando somos conscientes de que a través de él se expresa la verdad eterna.

Él defiende no el pintar el objeto en sí mismo, sino para trascender a otros ámbitos a través de la intuición y la contemplación.

Los simbolistas consideran que la obra de arte equivale a una emoción provocada por la experiencia. Tratan de exteriorizar una idea, de analizar el yo. Les interesa la capacidad de sugerir, de establecer correspondencias entre los objetos y las sensaciones, el misterio, el ocultismo. Sienten la necesidad de expresar una realidad distinta a lo tangible y tienden hacia la espiritualidad. El símbolo se convierte en su instrumento de comunicación decantándose por figuras que trascienden lo material y son signos de mundos ideales y raros. Hay una inclinación hacia lo sobrenatural, lo que no se ve, hacia el mundo de las sombras.

La revelación de Freud acerca de la vida de los sueños y la existencia de una parte irracional en lo humano es aplicada al programa simbolista reivindicando la búsqueda interior.

Cultivarán el subjetivismo, el antirracionalismo y aflorará el interés por el cristianismo y las tradiciones diversas. Estudian la ambigüedad, la belleza hermafrodita, lo andrógino, la mujer fatal que destroza cuando ama, lo femenino devorador. La mujer brota del mundo del inconsciente y para huir de la realidad adopta forma de esfinge, de sirena, de araña o de genio alado. Los seres que aparecen en ese mundo de sueño serán incorpóreos.

Prestan especial atención a la forma, pero la ponen al servicio de unos ideales que van más allá de la pura apariencia. Plasman sus sueños y fantasías por medio de la alusión al símbolo y a una rica ornamentación. A veces utilizan colores fuertes para resaltar el sentido onírico de lo sobrenatural. Puede decirse que es una pintura de ideas, sintética, subjetiva y decorativa. Los precursores de esta nueva pintura son Gustave Moreau, Puvis de Chavannes y Odilon Redon.

LA PINTURA EGIPCIA

La pintura del Antiguo Egipto fue eminentemente simbólica, funeraria y religiosa. La técnica pictórica de los egipcios fue un precedente de la pintura al fresco o témpera, ya que hacían de los pigmentos naturales, extraídos de tierras de diferentes colores, una pasta de color, que mezclaban con clara de huevo y disolvían con agua para poder aplicarlo sobre los muros, revestidos con una capa de tendido "seco" de yeso.

Sus procedimientos fueron el fresco, el temple, el encausto y a veces también el esmalte en joyas, amuletos, escarabeos, estatuillas de respondientes y azulejos de revestimiento en muros interiores. Sus colores fueron vivos y variados en cada escena y las más antiguas pinturas parietales decorativas que se conocen fueron polícromas, y de colorido uniforme. Los tintes base se obtenían: el negro, del carbón, el blanco, de la cal o de yeso, el amarillo y rojo-ladrillo, del ocre natural del desierto, el verde, de lamalaquita y el azul, del lapislázuli.

Los egipcios pintaban los bajorrelieves los cuales, por su escasa profundidad, propician la identificación con la escultura y el arte pictórico. A partir de la dinastía IV la pintura sobre los muros de las tumbas es sustituida por bajorrelieves, adoptando sus principales convenciones.

La pintura se utilizaba para decorar las paredes de los templos y tumbas, asi como para ilustrar papiros

una tecnica muy empleada fue la del fresco.para conseguir los colores los pigmentos se diluian en agua antes de ser aplicados sobre una pared humeda.

PINTURA SANTAFEREÑA

Es la investigación de la historia del arte nacional, y concretamente de la pintura durante la época colonial, ha sido labor de un grupo de cronistas, historiadores, artistas y críticos de arte, quienes desde diversas perspectivas han analizado sus orígenes, importancia, desarrollos, características y contribuciones a la cultura nacional.

Desde el siglo XIX se iniciaron, de manera esporádica, breves estudios en este campo. Dignos de mención son, amén de la biografía de Gregorio Vásquez de Arce y Ceballos, de José Manuel Groot, la recopilación de numerosos datos sobre la producción artística de la época, consignados por este autor en su extensa obra Historia eclesiástica y civil de la Nueva Granada. Contemporáneamente a Groot, José Caicedo y Rojas dedicó algunas páginas al examen de estos temas.

A finales del siglo, en 1886, Alberto Urdaneta organizó en Bogotá la primera gran exposición de arte nacional y extranjero que se realizó en el país, en la cual destacó el valor de los pintores coloniales, cuyos cuadros habían estado por años relegados a los conventos, las iglesias y las casas de familia, bajo la condición de objetos destinados al culto.

La labor de Urdaneta la continúan Lázaro María Girón, descubridor del pintor Antonio Acero de la Cruz, y Pedro María Ibáñez, quien a comienzos del presente siglo, en las Crónicas de Bogotá, informa ampliamente sobre las obras de los pintores de la ciudad.

Los numerosos viajeros europeos que visitaron el continente americano en el siglo pasado, dejaron en sus crónicas y relatos interesantes observaciones y juicios sobre los artistas y sus obras y sobre el estado de conservación de las mismas en los conventos e iglesias.

Con un interés mayor, investigadores colombianos y europeos han venido realizando estudios más rigurosos sobre el tema durante los últimos sesenta años del presente siglo.

El primero de ellos fue Roberto Pizano, quien, a más de una biografía de Vásquez, elaboró un valioso inventario y catálogo sobre las obras de este pintor y sobre otras expresiones del arte colonial.

Corresponde a Gabriel Giraldo Jaramillo el mérito de iniciar los estudios de la historia del arte nacional con el aporte de nuevos métodos de investigación, combinando la indagación de archivo con la confrontación de las obras nacionales con los modelos europeos. De su numerosa producción historiográfica, buena parte está dedicada a la historia de la pintura colonial, la cual, gracias a su extensa documentación y rigor analítico, continúa siendo la obra de más aliento y fuente insustituible de consulta sobre este período.